13.11.26

Federica NADALUTTI du 20 novembre au 04 décembre 2026

 

L’art actuel de Federica Nadalutti, issu du lyrisme abstrait, s’exprime maintenant selon les pures règles du minimalisme et s’écarte de tout affectif, pour retrouver l’essentiel d’un art où le plus est le moins et le moins le plus. Ses artifices sont basés sur plusieurs principes, tels que la série, les combinaisons et les variations de formes pures. 

Les structures qui portent son œuvre sont élémentaires, réalisées avec des matériaux simples et monochromes. 

Elle se consacre aux règles d’un jeu qu’elle invente et se satisfait de l’hypnotique et onanique plaisir d’organiser des lignes et des formes. Jouer avec et se jouer des modules, divisions et variations possibles de la règle du jeu est l’essence de sa création. Elle choisit une ligne, un trait orphelin ou une forme simple, le carré par exemple. La forme, qui a dans le jeu créatif une importance réduite devient la grammaire de l’œuvre où l’arrangement et la combinaison sens fin en soi et la forme restructurée le moyen d’expression. Ses travaux se déclinent sous forme de  volumes et de dessins faits de formes géométriques et de lignes tracées ou jetées par hasard, qui s’agencent de façon à former une structure. 

Ses œuvres répondent à des suites logiques, des combinaisons sans fin : chaque structure peut exister de manière autonome ou bien être combinée avec d’autres selon différents principes comme la progression, la permutation le déploiement et l’inversion. 

Ces systèmes de construction font l’œuvre et donne un indice de l’idée qui a présidé au jeu créatif. 

Réalisée dans des simples et ordinaires matériaux (carton, plexiglas, plâtre, bois aggloméré, acier laqué) ou tracée au crayon, l’œuvre cherche avant tout à mettre de côté sa dimension subjective. Pour autant, si la main de l’artiste est sans affect, comme absente, le corps du spectateur, lui, est souvent engagé puisque pour apprécier l’œuvre dans sa totalité, il doit déplacer les sculptures ou se déplacer autour d’elles et donc charger son approche d’impressions personnelles, de subjectivité en somme.

 

Philippe Renaud



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30.10.26

Anne-Andrée CARRON du 06 au 20 novembre 2026

Mais ! Qui sont ces arbres ? 

 

Dans un ancien verger normand, mon enfance s'est nourrie du jardin familial dessiné par mes parents. Ils avaient confié à chacun de leurs quatre enfants une plate-bande de terre pour y rêver, jouer ou cultiver des plantes.
De la terre argileuse a germée l’idée de l'Arbre. 

Les promenades dans les forêts domaniales aux hêtres élancés vers le ciel me ravissaient.
Sur la côte d'Albâtre, en Pays de Caux, des troncs d'arbres étaient destinés au chantier de construction navale d'un de mes ancêtres.
Je songe à Salomon de Caus, ingénieur et architecte cauchois du XVIe siècle qui avait créé un jardin palatin (et écrit La perspective avec la raison des ombres et des miroirs). 

Et à l'inspiration heureuse venue des sculpteurs grecs antiques, des Étrusques où apparaissait l’élégance des monuments funéraires dédiés aux défunts, modelés en terre. 

L’atelier de terre de l’École des Beaux-Arts, puis le lieu où je travaille désormais m’ont permis de métamorphoser ce temps de l’enfance, des origines.
Mon cheminement est simple.
J'aime emprunter des sentiers, arpenter les rues de la ville avec une fraîche curiosité.

Quand je travaille, il s’établit un lien fort avec la terre, la taille d'un arbre et son piédestal sorte d'architecture qui suppose un élan physique.
Les petits côtoient les grands. Grâce à un outil fin, leur feuillage devenu écriture ondule, varie selon la terre choisie : rouge, noir, blanche, rose. Parfois j'ajoute discrètement un trait de pinceau avec un bleu ou un jaune, tel un geste de peintre.

Mes Arbres sont des sculptures évoluant avec leur découpe dans l’espace, jouant avec la lumière, le vide et le plein ; les peintures chinoises et japonaises m'accompagnent.
Ils émergent pour certains d’un mur, de la sorte un morceau de paysage sauvage ou cultivé et construit.Variété des formes. On peut y voir un feuillage mouvant à l'instar d'une coiffure féminine.  Il m'évoque aussi certaines algues des prairies marines. 

Poussant ainsi de la stèle, il se dégage un silence, un calme où bruissent des conversations, murmures, qui expriment la vie.
Je façonne des Arbres, sculptures-hommages aux civilisations enfouies telle des graines en attente de se tendre vers l'air.
Mémoires. 

Planté par l’homme, pour sa survie, avec sa présence verticale dans le paysage l'arbre est un témoin bienveillant tout à proximité de la maison, sur la place... 

J'aime la multiplicité des lieux où l’arbre naturel pousse et s’ancre dans des terres aux qualités et couleurs variées. 

De ma terre modelée, séchée puis cuite, apparaissent des visages ou des portraits d'arbres, solides inscrivant ainsi l’Humanité dans la Nature rêvée et imaginaire. 


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                      Le HUBLOT du 06.11.2026
                     Le HUBLOT du 13.11.2026

16.10.26

JEAN-BAPTISTE NÉE du 23 octobre au 06 novembre 2026

Né en 1986. Peintre et plasticien français, diplômé des Arts‑Décoratifs de Paris en 2012, Jean‑Baptiste Née travaille principalement en montagne au contact d’éléments premiers, au cours de séjours en immersion et de résidences. Depuis 2015, il intègre l'influence du site au processus de création : la pluie, la neige, le relief participent à l'élaboration des œuvres et innervent la figuration d'une dimension analogique. Il est présenté à Genève par la galerie LIGNEtreize depuis 2019, et à Paris par la galerie Camera Obscura depuis 2021. Il collabore régulièrement avec différentes galeries et maisons d'édition françaises. Son travail est présent dans les collections publiques. Son atelier est à Montreuil (93).


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                      Le HUBLOT du 23.10.2026
                      Le HUBLOT du 30.10.2026



4.10.26

Dominique ALBERTELLI du 09 au 23 octobre 2026

Pourquoi peindre

pour survivre
pour respirer
pour m’en sortir
pour dire le monde, la peur, la joie, les autres
pour dire la force
le souffle
la vie
pour évite la confusion des mots

Pourquoi la peinture ?

ça fait reculer les murs
c’est simple, visible par tous
c’est hors du langage
ça donne du sens au silence

Ça reste pour moi le moyen le plus évident et le plus difficile, il faut une sacrée dose d’inconscience ou de farouche détermination pour peindre aujourd’hui avec ce matériau venu du fond des âges, quand tant d’autres possibilités de s’exprimer sont offertes, plus rebelles en apparence, plus mentales, plus conceptualisable.
Mais le fait de peindre au début du vingt et unième siècle, de s’installer avec son barda devant une toile blanche pour dire comment on voit ce monde est déjà, je trouve, très audacieux. Il ne faut pas avoir peur des redites et il faut une bonne dose d’orgueil pour se dire que tout n’a pas été dit et que l’on peut ajouter quelque chose ; en somme, il faut oser.
Pour moi seule la peinture et la toile peuvent parler de la solitude et de l’amour, de la vie et de la mort, de la poésie et du silence tremblant de l’air.
Dans ma peinture actuelle, j’essaie de parler de ce courant ténu qui passe entre les êtres quels qu’ils soient avec leur différence, leur difficulté à se parler, se comprendre ou s’aimer.
Nous sommes tous d’une certaine manière handicapés au monde, engoncés dans nos corps, maladroits dans nos mots. La peur de la mort et la joie d’être en vie nous lient comme un fil invisible.
L’objet toile peut être ce passage libre de mots qui nous tient les uns aux autres ; devant la peinture chacun est à égalité ; pas d’échelle de valeur des émotions, du ressenti, de la beauté ou de la jouissance. Quelque chose comme une égalité des chances, une société rêvée ou chacun s’approprie l’art comme un objet offert, donné au regard, révélateur, et qui peut tout à la fois apaiser, bousculer, réveiller, transcender ; qui rejoindrait le sacré dont nous manquons tous. Un objet magique en quelque sorte.
Et la société est tellement tournée vers l’individualisme, la religion du corps l’obsession du paraître…Devant l’opacité du monde je ne saurais dire autrement qu’en peinture la fragilité d’un mot, la folie d’un geste, le murmure de l’air, la violence et la douceur.

Dominique ALBERTELLI


L'article de ARALYA sur Dominique ALBERTELLI

https://www.aralya.fr/dominique-albertelli-a-travers-le-hublot/



Le site de Dominique ALBERTELLI ici
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Le HUBLOT du 09.10.2026










 

19.9.26

Thomas IVERNEL du 25 septembre au 09 octobre 2026

Thomas Ivernel est un artiste visuel français né en 1970 à Paris. Ses médiums sont principalement la peinture et la gravure. 

Il utilise occasionnellement la vidéo notamment pour un travail qu'il a montré chez Agnès b en 2013 en collaboration avec le Motion designer Thomas Fage. 

Il a exposé son travail à Paris, New York, Bruxelles entre autres. Les galeries Jane Roberts et Popy Arvani ont montré ses œuvres dans des expositions personnelles ces dernières années. 

Il représente des vues urbaines souvent de nuit et la comédie humaine dans des compositions où il peut se mettre lui-même en scène. 

Il collabore d'autre part depuis plusieurs années avec l'écrivain Pierre Michon avec lequel il a réalisé jusqu'à présent deux livres d'artiste en 2022 et 2025. 


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                      Le HUBLOT du 25.09.2026

                      Le HUBLOT du 02.10.2026

2.9.26

Catherine BENAS du 11 au 25 septembre 2026

Tout commence par un désir sans contour précis, peindre, ou plutôt dessiner, je ne le sais pas encore vraiment. 

À l'atelier, je suis ce désir comme on suit une piste incertaine, en faisant des essais, en risquant des formes, en changeant de médium pour explorer. 

Ce temps de recherche est imprévisible, parfois quelques jours, parfois plus long, traversé par des moments de doutes, de déceptions, de joies, ce qui permet aux gestes de s'affiner. 

Progressivement, quelque chose apparaît. Une image se détache, ténue d'abord, puis plus insistante. Une présence s'impose. D'œuvre en œuvre, elle se répète, se module, se cherche encore, c'est ainsi qu'une série prend forme.

Le point de départ de tous mes travaux ne change pas : c'est toujours une liberté sans détermination, une disponibilité à ce qui n'est pas encore là. Ce qui change, en revanche, ce sont les formes que ce processus engendre : peintures à l'huile abstraites, œuvres plus graphiques, des œuvres hybrides aussi, où les intentions se rencontrent, se superposent, se mélangent.

Ce que je cherche, au fond, ce n'est pas à réaliser une image que j'aurais en tête, mais à créer les conditions pour qu'une forme survienne, la reconnaître, l'accueillir, quand elle apparaît.





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                      Le HUBLOT du 11.09.2026
                     
                      Le HUBLOT du 18.09.2026






2.7.26

Hossein SIBONI du 10 juillet au 11 septembre 2026

Je suis né au cœur des forêts du nord de l’Iran, dans une famille qui produisait du charbon de bois depuis plusieurs générations. Avant d’apprendre à lire, j’ai appris à regarder les arbres, les traces des animaux, les changements de la lumière et la lente transformation du bois en charbon. Les huit premières années de ma vie se sont déroulées entièrement dans la forêt, loin de la ville et de ses rythmes. Cette expérience continue aujourd’hui d’habiter ma peinture. Le charbon n’est pas pour moi un simple matériau. Il appartient à mon histoire familiale. Il porte la mémoire du feu, mais aussi celle des arbres, du temps et des gestes transmis de génération en génération. Lorsque je l’utilise, je ne cherche pas à représenter cette mémoire ; je travaille avec elle. Le charbon conserve quelque chose de la disparition tout en rendant une nouvelle présence possible. 

Plus tard, lorsque je me suis tourné vers la philosophie et la littérature, j'ai compris que ce que j'avais vécu dans le silence de la forêt dépassait le simple souvenir d'une enfance. C'était déjà une manière d'habiter le monde. La philosophie m'a donné les mots pour penser cette expérience, mais son origine ne se trouvait pas dans les livres. Elle était née bien avant eux, parmi les arbres, le feu et le silence de la forêt. 

Mes peintures ne racontent pas mon histoire personnelle. Elles cherchent plutôt à faire apparaître un espace où les formes demeurent ouvertes, où les corps, les paysages et les figures passent les uns dans les autres sans frontières fixes. Ce qui m’intéresse n’est pas simplement l’identité des choses, mais les relations qui les unissent et les transforment. 

La pensée de Platon, et plus particulièrement sa conception d’Éros comme force de liaison, accompagne cette recherche. Elle rejoint une intuition ancienne : celle que l’être humain n’existe jamais séparément du monde vivant qui le porte. La peinture devient alors le lieu où cette continuité peut être éprouvée, non comme une idée, mais comme une expérience. 

Si mes œuvres évoquent parfois la mémoire, la disparition ou la fragmentation, c’est parce qu’elles cherchent avant tout ce qui demeure sous les ruptures apparentes. Elles tentent d’approcher cette part silencieuse qui relie les êtres, la matière et le temps, ce que certaines traditions ont appelé l’Anima Mundi. 

Lien vers le documentaire «The Forest Charcoal Burners or Me and My Birds» Farhad Mehranfar, 1995 


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Le HUBLOT du 10.07.2026
Le HUBLOT du 04.08.2026
Le HUBLOT du 17.08.2026
Le HUBLOT du 28.08.2026



5.6.26

Olivia BARANI du 12 au 26 juin 2026

Sa démarche artistique, nourrie par un parcours en art et en conservation-restauration, explore l’instabilité des matières et les processus de transformation qui traversent les œuvres. Elle se déploie comme un espace d’expérimentation où ces savoirs deviennent des outils de déplacement poétique, attentifs à ce qui persiste autant qu’à ce qui disparaît.


Depuis 2018, son travail s’articule autour de la mémoire, de la trace et de la disparition. Elle envisage la mémoire comme un processus actif, dont la rémanence constitue le fil conducteur : non comme un vestige figé, mais comme une dynamique de transformation continue.


Cette recherche s’incarne dans des gestes de retrait, de prélèvement et de reconfiguration – détacher, fragmenter, récupérer, superposer – qui déplacent les formes et les réinscrivent dans de nouveaux agencements.


À travers une pratique mêlant peinture, dessin, photographie et sculpture, elle développe des installations souvent éphémères et instables, où la matière est éprouvée dans ses conditions de maintien, d’altération et d’effacement. Son travail explore ainsi ce qui demeure après la disparition, en faisant de la rémanence une force active, capable de générer de nouvelles formes d’existence.



                     Le site de Olivia BARANI ici
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                      Le HUBLOT du 12.06.2026
                       Le HUBLOT du 19.06.2026
                       Le HUBLOT du 03.07.2026

22.5.26

Isa GUIOD du 29 mai au 12 juin 2026

« Peintre-toi la langue » ou toucher la chair du langage est le mot d’ordre de ma peinture. Parti d’un lapsus d’une phrase de Matisse « Peintre, coupe-toi la langue », l’inconscient fait œuvre en omettant le verbe couper, la parole se meut en matière picturale.

 

Profondément animée par l’engagement du corps par la parole, j’ai exploré différents territoires avant d’entrer - en deçà et au-delà des mots – en peinture. La voix de Valère Novarina, à travers sa prose poétique et théâtrale est l’élément choc déclencheur « va jusqu’où les mots rebroussent chemins ». C’est l’écho qu’attendait l’image pour surgir.

 

De là,

 

Je suis une scription qui part à l’aventure : c’est quoi un corps qui parle ?

L’aventure d’une langue imaginaire qui se cherche primitive, animale.

L’aventure d’une écriture qui se cherche organique.

Comment saisir les multiples formes de la corporalité du langage, à l’instar de la langue qui s’invente tous les jours.

 

Je suis une peinture qui fraye sous la peau des mots.

Les mots sont mangés, dévorés, mâchés pour en extraire les rythmes, les sons, les souffles, les cris. La matière charnelle (pastel à l’huile, huile), fruit de cette manducation, se dépose sur le papier ou la toile dans une tentative d’élocution, d’énonciation, d’articulation… ?

une corp-oralité ?

La chair du langage semble poindre et les timbres de chaque voix qui la porte ont une couleur ; toutes se côtoient crues, vives, franches puis s’entremêlent, consonnent ou dissonent. C’est un pari de leur résonance à chaque fois, une gamme chromatique qui dit quelque chose de la choralité.

 

corporalité corps-oralité choralité

Pourrait être la déclinaison d’une création qui, à travers notre temporalité et nos multiplicités, questionne le langage en absorbant sa métamorphose, son hétérogénéité, son nomadisme, et remet le vivant et l’organique au cœur de cette interrogation. 

Dans l’impératif de Matisse, une fois coupée, « la langue se peindre ».     




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Le HUBLOT du 29.05.2026
Le HUBLOT du 05.06.2026




12.5.26

Marisol FALCON du 15 au 29 mai 2026


À travers la peinture, j’ai trouvé un langage pour raconter une réalité souvent ignorée : celle d’un pays considéré comme paradisiaque aux yeux du monde, où certaines personnes subissaient pourtant humiliations, persécutions et emprisonnements simplement parce qu’elles étaient homosexuelles — ou soupçonnées de l’être.

Sous le régime de Fidel Castro, les camps de l’UMAP furent initialement créés pour interner les homosexuels. Par la suite, d’autres personnes jugées « indésirables » y furent également envoyées : intellectuels, artistes, croyants ou citoyens qui ne partageaient pas les idées du régime.

La manière de s’habiller pouvait déjà éveiller la suspicion. Ceux qui adoptaient une mode inspirée des tendances occidentales étaient parfois considérés comme des bourgeois, porteurs de valeurs incompatibles avec l’idéologie révolutionnaire, et pouvaient faire l’objet de dénonciations ou de sanctions.

Être noir faisait également partie des stigmates profondément enracinés dans la société, malgré le discours officiel d’égalité, et certaines formes de discrimination persistent encore aujourd’hui.

Le modèle imposé était celui du mâle viril, du « vrai homme ». Tous ceux qui s’en éloignaient étaient marginalisés, exclus ou réprimés. Dans ce contexte, la différence devenait souvent un motif de contrôle et de persécution.

Aujourd’hui, dans un pays où je peux enfin m’exprimer librement sans craindre pour ma vie, la peinture est devenue ma manière de témoigner. Une liberté précieuse, pour laquelle j’éprouve une profonde gratitude.






                     Le HUBLOT du 15.05.2026
                     Le HUBLOT du 22.05.2026